Buggin - Concrete Cowboys(2023)

最近巴爾的摩的Hardcore廠牌Flatspot Records出了一票出色的硬核新星，像是Zulu、Speed、End It和Law of Power等等，其中芝加哥Hardcore樂隊Buggin是我喜歡的一支，首張專輯Concrete Cowboys和Initiate的Cerebral Circus並列我今年最喜歡的硬核專輯。人聲嗆辣、野性十足的演奏加上緊湊飽滿的Groove等迷人元素，既有直線衝刺的奔馳感，又有越野爬升的變速趣味，適時加入硬核Breakdown點綴（這種東西真的不能太多），造就出這張舒爽、暢快的硬核佳作。Bugigin之前有翻唱過Beastie Boys的Gratitude，用硬核節奏撞擊出更猛烈的律動張力，聽著聽著雙腳頓時離開地面。

近年來硬核龐克的一股潮流「大塊結構」（詳見AHAMA Y吉他手製作的小誌Bad Rabbit，裡面有「大塊結構」的介紹）漸漸受到樂迷矚目，像是GEL和SPY這些樂隊，音樂裡中慢速的塊狀堆疊以及速度變化，塑造出強烈的空間落差。這類硬核歌曲的結構略為奇特，並不特別強調主歌副歌，拐彎的時機時常令人措手不及，有趣的元素交互出現讓硬核呈現出不同的面貌。Buggin也有一些大塊結構的趨向，像是非典型的歌曲結構以及速度的控制，不同的是，Buggin沒那麼強調速度的落差與變化，塊狀結構不那麼明顯，介於線性和塊狀結構之間的游移狀態。他們的美學仍然是奠基於直線的速度和律動推進，召喚出原始的搖擺，偶爾釋放出沉重渾圓的橋段重擊你的身軀。

這張專輯我的首選歌曲是The Customer Is Always Wrong (TCIAW)，這首歌算是專輯中「大塊結構」較明顯的歌曲，由Bass啟動的旋律，激烈的吶喊掃蕩而來。歌曲後半段直接慢了下來，從主唱的吟詠開始，用迥異於第一段的方式演繹同樣的歌詞，令人眼睛為之一亮。我很喜歡主唱Bryanna Bennet的唱法，他的Flow具有黏性又不失滑順，宛如暴龍牙齒般，具有快速撕裂食物的power。Redacted這首歌則是回到經典的硬核曲式，高爽度的龐克刷扣打造的小品。終曲Youth我也滿喜歡的，輕快的旋律展翅飛行，後半段漸漸落地，摩擦粗礪的硬核地面震動推進。

Svalbard - The Weight Of The Mask(2023)

來自英國布里斯托樂隊的Svalbard，我從It's Hard to Have Hope這張專輯開始喜歡他們，也一直追蹤他們的發展。 Svalbard發行該張專輯的廠牌Holy Roar Records，2020年時廠牌創辦人被兩名女性指控性侵害，造成廠牌旗下的三名員工集體辭職，而旗下諸多樂隊也離開廠牌表示抗議，在It's Hard to Have HopeSvalbard高喊女性主義之聲的Svalbard也是其中之一。他們下一張專輯When I Die, Will I Get Better?交由英國廠牌Church Road Records發行。去年，他們被金屬大廠Nuclear Blast簽下，今年發行專輯加盟後首張專輯The Weight Of The Mask，Svalbard的主唱Serena Cherry相當開心能與他最喜歡的樂隊Nightwish成為同事。

Svalbard至今發行的四張專輯我都非常喜歡，音樂景觀不盡相同，可以看見他們一路演變的痕跡。我滿推薦可以找他們的Discography 2012-2014這張合輯來聽聽，收錄了樂隊前期的創作，縱使錄音品質不太好，不過滿多首歌都令人驚豔，像是Ripped Apart和Greyscale。我認為The Weight Of The Mask是他們目前最溫柔的一張作品，音樂性更豐富、更美麗，更著重歌曲結構的打磨。樂隊稍微收起了前期作為主軸的Crust Punk與Hardcore的猛烈衝擊，取而代之的是Blackgaze的鋪陳感以及明亮的情緒表現。歌詞方面，這張專輯的也幾乎放下了前幾張專輯尖銳直接的政治批判，轉向用溫柔催淚的鋪陳描繪內心的抑鬱傷痕。

對於歌詞主題的轉變，主唱Serene表明： 「因為寫政治歌詞需要很大的力量。 過去三年，我對英國的政治局勢感到非常無力，被挫敗感淹沒了。因此她再也無法透過點燃憤怒之火後就跑去寫一首關於女權的歌曲。

這張專輯最先釋出的兩首歌Faking it和Eternal Spirits真是波瀾壯闊，後者是樂隊獻給2021年去世的前SlipKnot鼓手Joey Jordison的歌，他啟發了Serene開始玩音樂。Lights Out是我最喜歡的歌，緊湊的黑金屬開場，由暗至明的鮮明曲線，就像是一段驅逐黑暗的旅程。To Wilt Beneath The Weight也深得我心，平和的底蘊與簡潔的旋律線，隨著強烈的鼓擊躍昇，歷經光明的洗禮後緩緩降落。

因為看過地獄般的情境，所有普通的事件都成為尖刺，輕易穿破柔弱的你，讓無力感一股湧入。世道混沌，人心浮略，Svalbard帶來振奮人心的希望，宛如力量飽滿的定海神針，在狂風暴雨裡造起一座避風港，撐住我們幾近衰弱的身體，越過艱難的渡口，迎接雨過天晴。

 

 

Atramentus - Stygian(2020)

當初看到這張唱片封面就被震懾住了，成為我這些年來最喜歡的專輯封面之一（其他還有Venom Prison的Erebos、Mizmo的Wit's End等等）。畫作描繪黑暗吞噬光明的前夕，孤絕的氣氛壟罩大地，不懷好意的低垂月光與唯一畫作中的人類隨時會被吸入黑暗裡。無以名狀的恐懼之靈壓倒撲來，一一剝奪所有光明的情緒。打了冷顫之後，你將會被鎖進無垠的憂傷。這幅畫作來自波蘭超現實主義畫家Mariusz Lewandowski，自從2019年他和Bell Witch合作Mirror Reaper的唱片封面後備受關注，同年度還繪製了Fuming Mouth的The Grand Descent、Mizmor的Cairn還有 Bewitcher的Under the Witching Cross等幾張重型音樂的專輯封面，這幾張作品無論是美術還是音樂都是超高水準，彼此也相當契合。2022年七月Mariusz Lewandowski離世，但他的作品依然與金屬樂共生共存。今年，Death Metal大老Obituary的新專輯封面Dying of Everything也是出自於Lewandowski，此外還有我很喜歡的Doom Metal樂隊Chained to the Bottom of the Ocean睽違六年的新專輯，封面同樣來自於他，優美、恢弘又深沉的藝術創作將連同音樂持續流傳下去。

回到Atramentus的音樂，其中三位團員來自死亡金屬樂隊Chthe’ilist，Stygian是樂隊的首張專輯，收錄三首歌，由知名金屬廠牌20 buck spin發行。專輯的主題述說著一則擁有龐大世界觀的傳說，大意是主角因為登上世界最高峰獲得了神賜予的永生之劍，而後親眼目睹太陽殞落以及所有世間所有的生命消失，他成為了唯一的倖存者，獨自面對殘酷的世界以及冰封的回憶，生生世世凍結在末世裡。第一首歌的開頭用絕望的鐘聲象徵新紀元的開啟，接著是淡薄而陰森的合成器音效穿梭，描寫荒蕪的地景，而後用沉重的樂音直接把你拖拉進無光的雪地裡。深陷寂寥，舉步維艱，世間所見的虛空彷彿荒涼內心的倒影，當中又浮現一股鮮活的神聖力量滋潤軀體，彷彿告訴你還有機會拯救自己；第二首歌這首只有四分鐘，漂浮的氣氛隨意堆疊，我有些抓不到重點，稍微可惜，讓開闊的美感有些中斷；最後一首的行進和第一首截然不同，以陰柔的樂音開頭，搭配怪異的低吼，四分鐘後就隨著高亢的吉他獨奏進入故事的高潮。迷霧般的憂鬱環繞，阻礙前進的方向。最後六分鐘激昂的演奏宛如被憂傷侵蝕的內心，在平淡的景色中崩裂，徒留無聲的瘋狂。歌曲結束了，永恆的悲劇宿命並沒有劃下休止符，另一片荒野還在等待著你。

我一直不算喜愛Funeral doom這個類型，總覺得巨大的絕望實在太難以消化，但是Atramentus在輕重之間的不疾不徐的收放，加上打造氛圍細節的精巧技藝頗讓人激賞，很有節制地在維持情緒的流洩，這讓他們的音樂不只是散發出全然單調的黑色憂鬱，而是一個深邃而曲折的命運深淵，那裏擁有溫柔如母親臂彎般的起伏以及壯闊的音景。

 

 

走味的咖啡

從我泡了一杯走味的咖啡開始。

某個假日早上，我泡了一杯走味的咖啡。那是一包淺焙的豆子，磨好的咖啡粉香氣迷人，難過的是我沒有掌握好技巧，泡出一杯過酸的咖啡，喝了一口，帶刺的酸味像小蟲，在我的嘴裡鑽來鑽去。我不甘願，再泡一杯試試看，嗯...稍微好了一點，但還是酸啊，酸味的小蟲不斷繁衍，吃掉我的味覺，但還是硬把他喝完了，祈禱今天的生活不要走味就好。

走味的咖啡 ，忽然想起有一首歌叫這個名字，搜尋一下原來是一位叫林晏如的歌手唱的。一聽不得了，這也太好聽太好聽了吧！醇厚的低音宛如深焙咖啡的餘韻，濃烈滑順，繚繞不絕。苦情與哀怨在林宴的歌聲裡都化成了溫柔的弧線，飛上天成為彩虹。接著我找了他其他的名曲來聽，像是〈疼惜我的吻〉、〈愛抹落心〉還有〈等你腳步聲〉，每一首都超級好聽。

接下來的日子，我跑了幾間唱片行和二手商店，買到了林晏如的四張專輯，最便宜的一張才49元，於我而言卻是珍寶。在家不時就會用那台錄音帶二合一播放器放著音樂，一邊翻閱歌詞本一邊慢慢品嘗。這台機子從國小用到現在，年紀頗大，偶爾會鬧脾氣，有時候播到一半會當機卡住，直接跳回第一首。但是放林晏如的時候，總是順順地放完了，可能是感覺得到林晏如和這台機子同樣來自90年代。

（這機器不能誇，寫這篇的同時我正在放《愛抹落心》，音樂突然停住了...）

《愛抹落心》這張專輯真的是超級好聽，從頭好聽到尾。編曲的細節之豐富，10首歌都是精華。同名歌曲開場時撕裂薩克斯風聲一出來，雞皮疙瘩就冒出來了。哀傷的薩克斯風一直在背景流動，自成一片優美的風景，林宴如壓抑的詮釋讓人揪心。第四首〈跟你行到底〉的前奏也很扯，略帶輕快的樂器聲搭著略顯惆悵的歌聲演繹，擺盪在釋懷與怨嘆之間的情感，林宴用圓融的歌聲化解了，悽慘的過去宛如蜻蜓點水般掠過心頭，面對茫茫的未來只能灑脫過一生。有趣的是，歌詞本上這首的歌名是〈跟你行到底（大哥的女人）〉，然後作詞人是女人，作曲者是大哥，這就是從實體專輯上才能獲得的趣味。〈感情的世界〉是整張專輯我最喜歡的歌，緩慢而沉靜，適合在四下無人的夜裡靜靜聆聽。副歌的「感」字怎麼可以唱得那麼好聽，我可以一直重複聽這個「感」沒問題，甚至想把這個「感」取出來，做成一小時的串流。如果有人對我這樣唱歌的話，我一定會暈！一頭栽進感情的世界！

感謝這杯走味的咖啡，讓我認識林宴如這麼好的歌手。

我們之間不需要語言

一直耳聞台南有許多移工音樂人出沒，但始終沒有機會見識到他們的表演。直到去年夏天，有一場移工樂隊表演辦在台南鬧區，活動叫做「府城吵鬧大叔」，共有三個樂隊表演，分別是Firman & Dawer、南部鬧事團Southern Riot和黑袍樂隊Jubah Hitam，地點台南文化創意產業園區裡面的Live House。

開場前十分鐘抵達了文化創意產業園區，裡面小貓兩三隻，陰沉的天空與空蕩蕩的光景，氣氛頗為冷清，貌似有幾個零散的空間亮著破舊的燈光。身為文化創意產業Hater的我，光是看到「文化產業」這幾個字就會感到不適了，更何況實地走進來。應該只有張鐵志會喜歡這裡，他可以在這裡打造最新的文化辦公室，創辦文化潮流雜誌，引領屬於這個時代的新風潮。步行到了Live House門口，已經聚集了一波人潮，許多人都穿著黑色的T-shirt在喝酒閒聊，參雜著中文與我聽不懂的語言。

我穿過陣陣豪爽的笑聲與燦爛的面容走進表演場地，主辦方在入口旁放置免費刊物供聽眾索取，裡面收錄了移工樂隊的介紹文章以及歌詞翻譯等等，讓觀眾能更加認識移工音樂，給主辦單位一個respect。首先上場的是Firman & Dawer，木吉他和主唱的民謠組合，他們唱了一首歌叫做〈台南車站離情〉。我聽不懂任何一句歌詞，卻能感受到浪漫滿屋的愛戀漂浮在空氣中，惆悵的嗓音裡響起心碎的聲音。Maybe全天下的失戀都是一樣的，愛情真的不用翻譯。回去搜尋後才發現這首歌在他們的社群中傳唱度頗高，抖音上一堆相關的影片。

第二個上台的Southern Riot扔了一把龐克之火點燃群眾的熱情，讓現場呈現截然不同的氣氛。他們表演了一首〈來自印尼移工的情歌〉。副歌聽過一次就會唱。台下的觀眾無論國籍，都一起跳躍搖晃吶喊「亂七八糟！沒有用！亂七八糟！沒有用！」。我翻了一下刊物裡的歌詞翻譯，發現這首歌是在控訴移工的工作權利被剝奪，難怪能引起台下的共鳴，因為工作的愁苦不用翻譯，全天下的慣老闆都操著亂七八糟的話術，把我們視為沒有用的人，輪番踐踏你的勞動權益與個人尊嚴，我們只能在他們看不見的地方咒罵。

最後一個上台的是重金屬樂隊Jubah Hitam，表演前查過他們的資料，他們在移工社群裡相當出名，粉絲很多。渾重的樂聲一響起，咆哮與嘶了佔據了整個空間。空氣也憤怒了起來，穿進體內。台下觀眾玩成一片，長髮男子開啟強風吹拂模式，用力甩頭，講柔軟的髮絲甩成一道鋒利的刀面。人們互相衝撞，手拉著手旋轉跳躍。音樂聲愈吵雜，他們玩得愈開心，轉速愈快。平常並不特別喜歡這類型的metalcore音樂，不過Jubah Hitam現場魅力有感動到我，特別是一些凝重的抒情段落，帶著巨大的感染力。

這個熱天午後，異鄉人的歌聲響徹在府城天空之下。愛情的霓虹燈閃爍不停，酸甜苦辣浸透心底。資本主義的齒輪還在高速運轉，大力鞭策我們這些逃不出來的小螺絲釘。

平常我們生活在城市的兩端，在看不見盡頭的人生裡奔跑，沒有認識彼此的機會。今天，我們共享著漂浮的音符，在歌曲裡搖晃發洩，把生活的苦悶搖成美麗的泡沫。希望未來他們能繼續站上舞台表演，依然唱著音樂，訴說那些穿透國籍的愛戀與殘酷。唯有那時，我們才會意識到，跑了這麼久，原來還有一部分的自己沒有被世界的瘋狂吞噬，該給自己一個respect了吧。

大雨和雞湯

雙腳踏在泥水裡，我感覺到在雨水中燉了一整天的腳掌發驟成一團。昨天的大雨已經燉爛了一雙鞋子和一雙襪子了，回家脫下來後，那透心刺骨的燻天臭氣還在我鼻腔裡繚繞，這個案子又記上了一筆功績－搞壞一雙鞋。這讓我愈發厭惡雨天，愈發厭惡這個案子和這份工作。為了避免雙腳的不適，今天特別穿了不用穿襪子的塑膠鞋子，卻在泥水裡滑倒兩次，不由得再度咒罵這個破天氣與破工作，幾乎毀了我最近的生活。

眼看忙了超過兩個月的案子即將畫下句點，卻沒有絲毫的成就感，更沒有鬆一口氣的感受，這周一半以上的日子都在加班，連三天工作超過10小時，今天更是逼近14小時，我不知道在這種情況下要怎麼放鬆，要怎麼開心，要怎麼化壓力為動力，要怎麼享受生活。我已經被這個案子折磨的不成人形，沒有辦法集中精神思考，更無法正確地定位自我的價值。一想到接下來還要持續與這個案子的結案報告為伍，並且忍受同事與上司令人翻白眼的話語。就算目前案子的結果看起來還不錯的，甚至可以稱作是美好的句點，我還是開心不起來。

籌備過程充滿悲劇，懶得細細回憶，那只會令我更加痛苦。我和其中一個同事扛下了各種需要過度溝通爛事，面對各種突破下限、自我良好的話術，我選擇放棄思考、放棄質疑、放棄去思考工作的價值與工作的意義，放棄去梳理邏輯和整理自己的心情，就算如此，我還是非常難受。

現在正在台上表演的是我滿喜歡的樂隊，不過被工作荼毒到精神性死亡的我，真的無法用心感受他們的音樂，每一個音符都像是無意義的水滴，即將化作令人厭惡的大雨。如果是非工作的場合看他們的表演，我一定會超感動的吧？真是遺憾。

「我們最近很少出現，但我們都有好好活著 。」主唱在talking時講出了這段話，從他嘴裡吐出的這幾個字，平穩的跨越群眾飛向我，妥當地降落在狂風暴雨掃盪過後的腦袋裡，振奮了我頹靡的情緒。我那混濁如屎的心靈，在剎那中反射出一絲澄澈的光芒，但又在瞬間中消失。

若是平常的我，一定覺得這句話是爆幹爛超難喝的心靈雞湯，大概跟黃山料的「雖然有些事情不再有以後，但曾經的回憶都已經成為我們生命裡的一部分。」差不多等級，過目即忘，強灌下去就會噁心到吐的那種，還會咒罵「幹！沒事不好好表演盡講些鬼話」意外的是，此時的我不知為何有點感動，那是敲在心上的一錘定音，溫柔的回音正在擴散，讓我清楚感知到一種感動的情緒正在蔓延。我暫時忘卻工作的巨大煩憂，台上的樂音傳進耳朵，我重新找回與世界之間的聯繫，沒有狗屁工作的打擾。

看著來來去去的人們，臉上掛著笑容、朋友之間調侃的話語、隨著音樂放心搖擺的身軀，開心氣味飄散在汙濁的空氣裡，真是一道美好的風景。而我彷彿成了快樂的絕緣體，被黑暗壟罩，無法被感染正面的氣息。平常總是嘲笑的雞湯文與小廢文可能不是那麼無用，也許雞湯推了某些人一把，幫助他們驅趕憂鬱，重新感受到快樂，在破爛的生活裡感到好過一點點，靠近美麗的生活一點點。

手機開始震動，我憋住哽咽，回應同事的電話，趕去下一個場合忙碌。 

唉，難得好起來的心情又Down了下來，看來雞湯對我的效用還是非常有限，他媽的破工作。

 

Battlescars / Nagasaki Sunrise - Split(2023)

偶然在bandcamp上找到Nagasaki Sunrise（長崎日の出）這支樂隊，發現了這張絕頂激情的Metal punk合輯！這張Split由兩支葡萄牙的Metal punk樂隊Battlescars和Nagasaki Sunrise合作發行，伊比利半島硬核力量與濃烈Burning spirits的美妙交融，直搗肺腑。Burning spirits是80年代日本龐克的一種風格，在硬核龐克的框架中加入金屬化的演奏，增添許多張力十足、熱情的旋律以及鼓舞人心的歌詞命題，營造出險峻與奇美的氛圍，概念上有點類似Neocrust之於Crust punk。Burning spirits的來由目前不可考，看到有人說是源自一場巡迴演出的名稱，也有人說是一個表演場館的名字。

Battlescars由三位前葡萄牙Crust punk樂隊Deskarga Etílika的成員組成，立基於慷慨激昂的Burning spirits風格，灌注速度金屬的厚實與堅定力量。首曲Last Run的Intro就散發迷人風采，接下來三首歌曲的Intro都非常吸引人，強盛的火力輸出持續狂飆，隨著爽朗的曲調被捲入爆炸過後紛飛的餘燼裡。

Nagasaki Sunrise自稱他們的風格是Charged pacific rim crust punk of war，從團名、介紹和音樂的氣質都深得我心，音樂是飽滿、結實的日式Burning spirits龐克風格，狂熱的旋律線直衝腦門爆開綻放，宛如一朵情熱の薔薇。Nagasaki Sunrise的歌詞幾乎都是以太平洋戰爭為題，跟著音樂走遍硫磺島、中途島、巴丹半島、塞班島戰役，走進塔拉瓦玉碎的現場，目睹萬歲衝鋒後血腥頭骨遍地的慘況。Ghosts Of Iwo Jima的歌詞寫道＂Kuribayashi unsung Ghosts of Iwo Jima＂，典故源自於硫磺島戰役中的日本將領栗林忠道，他在戰役的最後衝鋒前取下了身上所有 象徵階級的物品，最終成為無法辨認的無名屍體。最後一首歌叫作Jaded Hearts And Burning Spirits，用燃燒的靈魂以及玉石般的心靈比喻樂隊不容妥協的精神，將繼續傾心傾力推動Burning Spirits美學，Living to Rock And dying to Roll！

 

 

Raw Brigade - Aggressive City(2022)

近期最驚豔的發現之一！當我在觀賞澳洲Hardcore樂隊Speed的美國巡演紀錄時，被共演樂隊Raw Brigade的爆炸性演出直接K.O，立刻吸引了我對他們的好奇心。這支來自哥倫比亞首都波哥大的龐克樂隊，今年四月跟隨Speed進行首次北美巡演，七月開始又展開了另一段美國巡演。Raw Brigade的團名源於傳奇滑板團體Bones Brigade，團員們都是滑板文化的愛好者，另外一個原因是他們成團後第一首翻唱的歌曲是Bad Brains的Right Brigade。有趣的是，吉他手Camilo Toro還有玩一個Salsa dura樂隊La Pambelé，音樂充滿靈動與熱帶風情，和Raw Brigade的無垠狂氣截然不同。

Raw Brigade 2016年發行的首張Demo灌滿了Youth Crew直線色彩與積極態度，2018年發行了首張EP Kicking Your Face，更加旋律化並強化了律動感。直到去年發行的首張專輯Aggressive City，大概可以視為成團至今的小結，將他們心中的Straight Edge發揚光大。這張專輯由紐約Hardcore樂隊Ekulu成員創立的廠牌Cash Only Records發行黑膠。Raw Brigade的音樂緊實而富有彈性(?)，在純粹的硬核聲音之上揉入了許多流暢的擺動律動與旋律巧思。聆聽的同時會擔心他們衝得太過頭，最終還是保住了硬核實實在在、泉流不息的侵略性，重塑出Youth Crew的活力與激情。

 結束完美國巡演後，九月他們將前往歐洲進行演出，這支拉丁硬核樂隊值得被更多Punk Kids看見！

 

 

Loma Prieta - Last(2023)

2005年成立的舊金山Screamo樂隊Loma Prieta，今年發布睽違八年的第六張專輯Last。Loma Prieta一直是我相當喜愛的龐克樂隊，我覺得他們一直在探索並演示龐克音樂的另一種切面，一種美麗、暴力以及抑鬱的混合物，看起來易碎實則堅硬，將難以度量的心理衝突鎔鑄成吶喊的結晶。他們對音樂的持續探索，讓每一張專輯都打磨出一些細緻的差別，這些差別又是如此獨特的長在他們既有的肥沃土壤之上，而非不自然的節外生枝。

我手邊有Loma Prieta的兩張專輯，Last City在多年前在台北的選物店Waiting Room買的，主理人是這流派音樂的愛好者。另一張Self Portrait則是在大阪的Disk union唱片行，我買到的是東京Daymare Recordings出的日文版本，裡面還有附上日文的歌詞翻譯，介紹中稱他們是「激情系の至宝が」。過去幾年Loma Prieta暫停期間，主唱Sean Leary參與了包括Beau Navire和Elle等Screamo樂隊，還參與錄製了Screamo先驅Jeromes Dream回歸後的新專輯，這張也是一流的作品。

Loma Prieta激情、細緻的聲響傳遞豐美而不耽溺的情緒，用Screamo來定義他們實在是貶低了他們面貌層次豐富的音樂紋理。第三首歌Sunlight掀起第一波高潮，歌詞以陽光為命題，用簡短的詞句譬喻生存的矛盾情境，如何平衡事物的一體兩面是人類生活的必經過程。That which keeps us apart Keeps us alive。Circular Saw由輕盈的樂句開頭，最後30秒突然拉扯出一段扭曲的超現實短句。Dreamlessnessless可以聽見他們如何在一首歌曲內放入不同的演奏巧思，營造出劇烈而不造作的跌宕。Glare是這張專輯最長的歌曲，美麗旋律走了一分鐘之後，樂隊開始提高歌曲的動能，背景的吟唱鈍化了可能剛硬的走向，延續柔軟的弧線，最後疊加所有呼出一道美麗的彩虹。

 

 

Death Pill - Death Pill(2023)

來自烏克蘭基輔的三人龐克樂隊Death Pill，於2017年組成，在2022年2月烏俄戰爭爆發後，團員分隔三地。貝斯手Natalya Seryakova搬到澳洲從事音響工作，而他的爸爸加入了烏克蘭軍隊；鼓手Anastasiya Khomenko帶著兒子前往巴塞隆納生活；主唱Navrotskaya則留在基輔。他們只能用視訊練團的方式維繫樂隊的運轉，直到最近才重聚進行歐洲巡迴演出。幸運的是，戰爭沒有影響埋沒他們出色的音樂，Death Pill的首張同名專輯今年初透過英國廠牌New Heavy Records發行，發行日訂在2023 年2 月24 日，是烏俄戰爭開打一周年的日子。2018年他們發行首張EP的日子訂在3月8日國際婦女節，以紀念爭取婦女權益的先驅。

Death Pill的音樂是龐克與Thrash Metal的結合體，在飽滿的熱情與怒火中依然保有爽朗的旋律，令我想起同廠牌的英國樂隊Shooting Daggers，但Death Pill更常使用金屬樂的音色和技巧，轟出強悍的聲響。歌曲中不時會冒出Thrash Metal的趁趁趁爽感，呼應直通心臟的吶喊。歌詞的主題包含個人的反抗聲音、情感波折以及試圖拆毀父權結構的牆垣。他們經常在歌曲中高聲呼籲女性發出聲音，說出自己的故事，創造出屬於自己的一席之地。

烏俄戰爭除了改變他們的生活之外，也連帶影響了他們創作的意識，原本俄語、烏克蘭語都會說的三位團員在戰爭爆發後，將原先用俄語填詞的歌曲全部改為烏克蘭語，因為俄羅斯入侵他們的家園，他們不想要再和俄羅斯扯上關係。

Death Pill的音樂充滿龐克的直率，首曲Dirty Rotten Youth就像是烏克蘭版本吸膠少年的心聲。生活沒有什麼可以失去，也得不到什麼，只能默默走向蒼白的明天。在龐克音樂的力度之外，他們也擅長血悅耳的副歌旋律，可以在Go Your Way感受到他們用悅耳的旋律鼓勵女性走出自己的路。而Расцарапаю Ебало是一首痛罵前任的歌曲，徹底宣洩出他們的 Fast and furious！

敬劉暐

劉暐過世了，看到消息的當下，沒有什麼感覺。隨著時間過去，悲傷的雪球愈滾愈大，融化成眼淚滾出我的眼眶之外。此時還坐在辦公室裏的我，趕緊跑到廁所裡洗把臉，抹去眼淚，假裝自己還是個努力奮鬥的上班族，回到了位置上，放起劉暐的歌。

我不認識劉暐，也沒有見過他。他不是我的偶像，我只是喜歡他好聽的音樂。我有些不明白，為什麼我要因為一個未曾謀面的人而感到悲傷？十幾年來，他的音樂帶給我許多啟發與感受，有些很不容易形容，彷彿物體的共振與地球的自轉，很難理解它的原理，但是能真切的感受它在影響著你。

最讓我難以忘懷的是，劉暐寫的歌詞太直白又太赤裸了。成年之後，要在複雜的世界裡直接表達自己的感受實在不是件容易的事，例如「我的人生什麼事都不順利」 、「爸爸今天又來教訓我」、「不喜歡自誇所以我就業困難」、「媽我不想活了我智商太低了」。假設平常脫口而出這些話，大概只會被旁人罵你怎麼那麼不上進、男人不要太軟弱、怪東怪西就是不會怪自己。沒有勇氣說出口的話，劉暐都幫我說出來了，用火球般的龐克樂，唱出不夠堅強的理由。

十多年前我在傷心欲絕的某篇訪談中看到劉暐提及Against Me!，曾看見劉暐在表演時穿著Against Me!的衣服。跑去聽了之後深受感動，於是我也成為了Against Me!的歌迷。劉暐曾唱過我的偶像Tom變性成為Laura，指的就是Against Me!的主唱。從年少起深受性別不悅(gender dysphoria)所苦的Tom，在2012年決定進行變形手術成為Laura。在劉暐的不插電表演中，確實很有Laura的味道。他們熱切地咆哮，激昂地歌唱，釋放自己的渴望，傳遞心靈的不完美，用簡單的字句對抗這個太過複雜的世界。

「文學總是風花雪月」曾在某個場合聽到了這句話，我對於用部分概括整體的形容「總是」嗤之以鼻，暗地裡向他們吐了口水。很多文學從來不風花雪月，卡夫卡從來不風花雪月，海明威從不風花雪月。他們指出生命中的迷離困境，如此透徹冷冽，那是此時此地的我們依然能夠體會的。社會裡那道堅實高大代表某種強大價值的牆，我們注定永遠跨不過去。那些尋常的規矩規矩，「總是」紮紮實實的痛擊失敗者。這裡的「總是」指的是肯定萬分的事實，大多數的時候，我們不容許失敗者繼續飛翔，而是靜靜看著他們墜落地獄。

我也曾犯下用部分概括全體的過錯，以為「龐克總是憤怒的」。後來發現自己錯得離譜，龐克包含了萬般情感，難以用憤怒概括。可以講道理，可以抒情，可以走向偏鋒，走向孤冷的山頂，也可以跌落內心的幽谷。劉暐的音樂告訴我，龐克可以自嘲，可以亮出自己的陰暗面，可以把重重心事與失敗事蹟直接砸在你的臉上，用盡全力砸在每個人臉上。那關乎徹底擊倒一個人的壓力－社會結構的咄咄逼人、難以融入群體的焦慮，以及迷茫空無的未來。

到現在我還是不明白為什麼劉暐可以這樣做，把赤裸的自己一次次拋出來。那些沒有結局的故事，持續暈眩的自己，失去後永遠找不回的東西，一次次的出現在劉暐的歌裡，以同一種面貌，簡單而沒有掩飾的閃著光芒，映照出殘忍的現狀。可能是在酒精的催化下，他得到了一些勇氣。

確實需要勇氣沒錯，要在這個社會真摯地表達自己真的需要太多的勇氣。

 

我的未來是前田建設奇幻營業部

忙了一整天腦袋快到爆炸，終於把上頭交代的事做完。我的身體也發出抗議，回家後直接貪倒在床上，望著天花板旋轉旋轉。先無論那些要求奇不奇怪、合不合理。做這些事就是煩，而當你對這件事合理性發出質疑時，只會讓自己更煩而已。我已經疲倦到連兩天不到十一點就睡著，上次這麼早睡應該是在成功嶺的時候，那是將近六年前的事。

事情做完了任務達成了，績效表上頭打個勾，卻沒有滿足的感受。心裡被空虛填滿，只能和同事互吐苦水，抱怨無能的長官。在幹與幹的來回之間，避免被滿腹的嘔吐物淹沒。我在快下班的時候打開了這份Word檔，開始尋找有意義的事物。

上班時候偷閒偷起來，我相信每個上班族都這樣做過。無關乎熱不熱愛這份工作，無關乎責任感，單純只是疲倦在敲門而已。人的腦袋不可能無止盡運轉，我想找回自己的腦袋；人也不可能一直聽別人的命令，那遲早會爆炸的。作為一個以質疑上班意義為樂的人，此時決定向包藏著異化剝削、勞動價值、自我實踐等諸多禍心的「工作」束手就擒。別想了，偶爾當個薪水小偷沒關係的。

喝下今天第三杯咖啡，回想《前田建設奇幻營業部》 的劇情。當時看完熱血沸騰、渾身衝勁，對於工作有嶄新的體悟。希望能趕緊把從劇中獲得的大把熱情拋進工作裡，灌溉夢想、實現藍圖、一路向上，後來仍是失敗了，終究淪為工作的囚奴。我不禁思考，在工作裡貢獻所長、學習成長，在體制內立志做出一番改變，會不會只是妄想而已？工作就是工作，除了錢之外沒有意義，會不會這才是真理？

我不知道，質疑工作的腦內源頭來自於，我不想成為說一做一，不說二絕不做二的機器份子，不想讓工作與錢畫上大大的等於等於==。工作的狹縫裡應該還存在著關於勞動的一丁點意義，等待我去挖掘。現在，我依然會在上司的交辦事項或是無理要求的縫隙中尋求出路，做出些微超出管理目的之外的嘗試，偷渡某些超級自我的想法。那些成就感閃現、叛逆感迸發之時，便足以讓我快樂好幾天。

工作如此巨大無解，但我還是抱持著這樣個幻想。總有一天，我會找到屬於我的前田建設奇幻營業部，與夥伴們一同打造無敵鐵金剛的地下倉庫。

總有一天，我會像町田啓太那樣，談起自己的工作與專業時，眼裡會射出萬丈光芒。總有一天，如果我的同事是岸井雪乃的話...

劇中的岸井雪乃超Q，附上圖片以及IG：


https://www.instagram.com/yukino_kishii/

 

Initiate - Cerebral Circus(2023)

來自加州的硬核樂隊Initiate今年四月剛發行的新專輯Cerebral Circus，是我今年到目前為止聽到最優的硬核專輯，豐富有趣又充滿創造力，在恪守本格硬核精神加入了許多新鮮的玩意兒。近幾年，硬核進入嶄新世代，許多新品種、新面貌的硬核紛紛出現，但有一些樂隊我覺得太過刻意要造出變體，搞得四不像反而失去了硬核本色，像是同鄉的Scowl過度搖滾的轉向，新EP Psychic Dance Routine不若前一張那麼令人驚艷。Initiate將硬核與另類搖滾融合得更平衡、完熟，在一票新硬核樂隊中走出自己的路。其實從前面專輯的幾首歌就可以嗅得到他們另類搖滾的風骨，不願停駐於硬核的小圈圈裡，我想像如果他們去玩一個類似The Replacements的Power Pop樂隊應該也會滿好聽的。

Cerebral Circus由經典硬核廠牌Triple B Records發行，封面美麗的少女畫作是來自義大利畫家Giuditta Bertoni，為專輯的美學加分不少。Initiate在樂器的聲響上能維持硬核的推進強度，不至於太過笨重且能融入巧妙的Groove，亦能挹注優美的旋律，例如Amend。主唱Crystal Pak鮮明的歌聲厚實具有張力，能夠咆哮憤怒，也能抒發激昂的內省。The Surface的主歌和副歌幾乎是兩種迥異的風格，但Initiate將他們巧妙的串接在一起，碰撞出奇妙的光芒。最後一首Transparency用不插電與吟唱開頭，簡單雋永，你很難說他是一首硬核歌曲，但他出現在硬核樂隊的專輯裡。這就是當代硬核最有趣的地方，愈來愈多不同的風格元素被放進歌曲裡，嘗試鑽進看似固化的體系裡，碎裂一根根傳統的樑柱鍛造出新的聲音。

Initiate走在當代硬核的前沿，一支值得關注的樂隊！

 

 

KLONNS - Crow(2022)

 初次認識KLONNS是從他們2021年與Soiled Hate合作的專輯Different Senses。KLOONS宣示自己是日本Hardcore的黎明，SOILED HATE則自詡為日本Powerviolence的新浪潮，兩者帶來截然不同的Hardcore美學。KLONNS的第一首歌Misery就打中了我，高速恐懼的路線狂飆耳膜，隨著帶著舞曲的動感節奏飛上天空。一陣子沒有挖掘日本Hardcore的我，輕易的回到他們的懷抱中。從第四首歌開始由SOILED HATE接管戰局，畫風驟變，高速與低音接連轟炸。最後兩首則是電子音樂與Hardcore的巧妙融合，提煉出新奇的滋味。後來看到極端廠牌Bad Moon Rising 惡月上昇有進這張CD，毫不猶豫買下了它。

 

KLONNS去年發行了內含四首歌的專輯Crow，前三首歌Crow、Blaze以及Ghoul的曲名都是源自日本傳奇Hardcore樂隊的團名，不難看出他們向開拓者致敬的風骨。KLONNS在日本Hardcore的大地中汲取養分，延續其高辨識度、高破壞性的質地，用粗野的調調和抓耳的旋律燒出另一片荒原。KLONNS沒有停留在無止盡的復古緬懷，如果自稱為日本Hardcore的新浪潮卻端出無聊的菜色，那可是過不了關的。歌曲中多變的橋段編排以及律動的耕耘都值得細細品味一番，我特別喜歡Blaze一曲，鮮明的段落流暢銜接。身在其中的你可以隨著猛烈的grooving瘋狂甩頭或是搖擺舞動。Vessel的MV由日本龐克樂隊鏡KAGAMI吉他手Kohei Urakami執導，破敗的末世氣氛裡，僅有KLONNS愈發濃烈的邪惡盛氣繚繞。

 

很高興 吸膠少年、雙峰唱片 TWIN PEAKS Records以及得體聯手邀請KLONNS以及鏡KAGAMI來台灣表演，期待現場感受他們爆裂的魅力。同場的還有許多台灣龐克的新進樂隊，就讓我們一起成為新浪潮的一份子。

 

本文同步刊登於雙峰唱片月刊M.E.N.U。

 

 

Defeat The Giant - Spun From 5 To 7(2021)

台中硬核招牌樂隊Defeat The Giant 2021年底發表睽違3年EP， 推出卡帶與小誌合體組合。卡帶收錄兩首歌Spun 以及From 5 To 7，小誌中闡述EP兩首歌的創作理念。身為小誌以及硬核愛好者看到這個組合真是感動不已。向來擅長旋律化Hardcore的擊倒巨人，這次濃縮了老學校硬核聲響以及堅毅的情緒，稍微抹淡了激昂的旋律線，用訴說取代感召。老學校的初心大爆發，帶聽眾回到硬核還不是那麼現代的時候，增添了律動的迅捷。唯一不變的是音樂裡的純粹與精實依然難以撼動，堅決向前的態度更是引人熱淚。

作為台灣少有的硬核樂隊，Defeat The Giant熱情就是那位打不倒的巨人。為台灣硬核、龐克場景注入不少活力。樂隊策畫的「DIRTI得體聚會」現場演出已邁入第七屆，是推動台灣硬核場景的重要活動。Defeat The Giant 曾去過日本走進東南亞和當地硬核場景交流，最近又將泰國的Hardcore樂隊Whispers帶來台灣。

這幾年世界Hardocre迎來一波熱潮，無論是潮到破表、揮軍主流的Turnstile，還是在音樂風格上展開創意突破的Vein.FM、Soul Glo、Gulch等等。別忘了Flaspot Records旗下的雪梨後期之秀Speed和加州力量Zulu，都是超級正點、個性強烈的Hardcore。

台灣也沒有缺席，我們有Defeat The Gaint扛著大旗果敢前進。

Punitive Damage - This is the Blackout(2022)

Punitive Damage是來自加拿大溫哥華的Hardcore punk樂隊，首張專輯This is the Blackout由老牌龐克廠牌Atomic Action! Records發行，封面陰鬱的畫作是由墨西哥畫家Hazhe Is執筆。初次聽到這張專輯時立刻征服了我，狂怒的火氣與富有新意的音樂性，令人情緒澎湃。專輯在知名之做人Taylor Young的錄音室The Pit Recording Studio製作，例如，那裡出產了許多當代硬核的傑作，Regional Justice Center和Drain等等，日本新興Hardocre/Death Metal樂隊Kruelty將於3月發行的新專輯也是由他製作。

This is the Blackout的整體輪廓堅硬帶刺，散發威脅，但愈聽愈能聽出趣味與藝術的巧思。Punitive Damage拒絕以簡單呆板的樂曲傳遞憤怒的火炬，利用搖滾樂的搖擺拉扯出Hadrcore的精煉，尖銳的直線旋律與鋪陳此起彼落。既有兇悍的直線撞擊，亦有巧妙的銜接與停頓，在保有侵略性的沒有遺忘旋律的經營。首曲Pure Blood/Sixth Sunrise具有Powerviolence的深沉與俐落，密集的音符狂轟猛炸，主唱 Jerkova的嗓音一出來便直衝腦門；Drawn Lines痛罵這個擅於劃分階級的吃人社會，Stay on your fucking side.I'll stay on mine! Bottom Feeder在尾段加入了鋼琴的伴奏是一大驚喜，將尖銳的Hardcore融化成亮眼的旋律，彈奏鋼琴的人是專輯製作人Taylor Young的媽媽，他是一位鋼琴老師。Leech III則是非常抓耳的Hardcore歌曲，經歷一段重複的喊叫之後進入一段逐漸衰弱的旋律，最後由錯亂的吶喊引出高潮，Punitive Damage的迷人風采。

多元的歌詞主題也是Punitive Damage的特色，直指當權者的弊病、赤裸裸地掀開弱勢的悲劇處境以及個人憂傷的記憶。主唱 Jerkova來自墨西哥的移民，他在歌曲中注入了拉丁美洲被殖民者入侵的沉重過往，例如Sangre Y Oro / The Blight of Chris，另一首則由西班牙文寫成的歌曲則是引用了一則來自墨西哥的公車司機綁架女性的故事。

這支五人樂去年底剛結束西海岸巡迴，又即將和加州Hardcore樂隊進行美西海岸巡迴Initiate，非常期待他們未來的發展。

 

 

地藏喇牙 Heteropod Buddha－Demo(2022)

台北新興Hardcore punk樂隊地藏喇牙HETEROPOD BUDDHA，2022年結成並開始在台北龐克場景中神出鬼沒，於2022年末發行首張Demo。男、女雙主唱編制，混濁、硬朗的聲音，集D-beat 、Sludge、Hardcore punk等堅硬的樂風於一身。樂隊Logo上頭鮮明的無政府Anarchy標誌，將的抵抗聲音完整釋放出來。地藏喇牙在世界看似因疫情好轉而走向光明的2023年彷彿走錯了棚，用無政府的噪音提醒我們這個世代依然黑暗腐爛要人命。他們的憤怒如是說「 人民不是兵器！戰爭不是遊戲！」「 國家的目的只為摧毀異己」輕易地化分民主與自由，輕易的為理念不同而打壓異己，輕易的自詡為和平的代言人，都是暴力的一種形式而已。

聽了地藏喇牙的音樂後我又開始思考無政府主義與龐克的關係。龐克帶來的無政府思想（Anarchy）確實影響了我，但我始終不敢斷言我我是個龐克、是個無政府主義者，因為我無法將理想情況下，身為一個無政府主義者能做的事全數實踐，但這種思維確實影響我生活中的某些事，無論是工作、與人的互動中、還是書寫。我常常想，如果是一個安那其遇到這件事，他會怎麼做？

經由目前淺薄的理解之下我不得不說－安那其的群體社會難以被實現，距離我們還很遙遠。不過安那其啟發了我，將我形塑成一個思考者與質疑者，永遠對變化多端、隱身在隙縫內的權力保持警醒，並試著給出回應。經由安那其的導引，思想的支流逐漸匯集成一片遼闊的大海，在資本與價值的侷限之外，嘗試抓住從裡面冒出的一個個奇形怪狀、艱澀的、細微的聲音，來自每個獨特的人發出聲音。

盡其所能接納人類的可能性，理解來自遠處的聲音，這是安那其對我的意義。